文艺复兴到二十世纪：细数国外五大雕塑家

2018-2-28 青野丰隆

一、欧洲文艺复兴时期代表——米开朗基罗

米开朗基罗·博那罗蒂(Michelangelo Buonarroti，1475年3月6日-1564年2月18日)，又译"米开朗琪罗"，意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表，与拉斐尔和达芬奇并称为文艺复兴后三杰。他的父亲是洛多维科·迪·莱昂纳多·博那罗蒂·迪·西蒙尼(Lodovico di Leonardo Buonarroti di Simoni)他的母亲名叫弗朗切斯卡·迪·内里·德尔·米尼亚托·迪·锡耶纳(Francesca di Neri del Miniato di Siena)。他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。他于 1564 年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。小行星 3001 以他的名字命名来表达后人对他的尊敬。罗曼·罗兰写过《米开朗琪罗传》，归入《名人传》中。米开朗基罗是《大卫》，《创世纪》的作者。

（一）代表作《大卫》

1498 年，年仅 23 岁的米开朗基罗开始为罗马圣彼得大教堂创作大理石群雕像《哀悼基督》，两年后即告完成。作品取材于圣经故事:耶稣基督被钉死在十字架上后，圣母玛丽亚抱着死去的儿子无比悲痛。米开朗基罗却将圣母刻画成一个年轻、貌美、恬静、典雅的少妇，她默默地俯视着死去的儿子，沉思、哀悼，耶稣静静地躺在圣母膝上，面部表情安祥。整座雕像沉浸在肃穆气氛中，并洋溢着人类最伟大的母爱情感。它已大大超出了题材的限制，将生与死、痛苦与慈爱化为一体，和谐统一，赞美了人的崇高理想和优秀品质。作品一问世，立即引起轰动，人们不相信它出自一个年轻人之手，为此，米开朗基罗将自己的名字刻在了雕像中圣母胸前的衣带上，这是他一生中唯一署名的作品。

1501 年，26 岁的米开朗基罗开始创作他举世闻名的杰作--《大卫》。历时三年，他用一整块大理石雕塑出的《大卫》总高达 5.5 米。米开朗基罗与前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景不同，而是选择了大卫迎接战斗时的场景。艺术家生动地塑造了一个为事业斗争的英雄形象:年轻、英俊、健壮、神态坚定自若，左手上举，握住搭在肩上的"抛石带"，右手下垂，似将握拳，头部微俯，直视前方，准备投入战斗。米开朗基罗塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是文艺复兴人文主义思想在艺术上得到充分体现的象征。它赞美人体，讴歌正义和力量。这尊雕像被认为是美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一，亦成为后世艺术家学习雕塑的楷模。

深度解读大卫：米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注着自己的思想，同时也在寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。《大卫》就是这种思想最杰出的代表。大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的非利士巨人哥利亚，保卫了祖国的城市和人民。米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。在这件作品中，大卫是一个肌肉发达，体格匀称的青年壮士形象。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动着，面容英俊，炯炯有神的双眼凝视着远方，仿佛正在向地平线的远处搜索着敌人，随时准备投入一场新的战斗。

大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，作者在这里塑造的是人物产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些像是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的"静中有动"的感觉。是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使的大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的"复兴"，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人在改造世界中的巨大力量。作者在雕刻过程中注入了巨大的热情，塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是思想解放运动在艺术上得到表达的象征。作为一个时代雕塑艺术作品的最高境界，《大卫》将永远在艺术史中放射着不尽的光辉。

（一）艺术地位

米开朗基罗先是以雕刻家的身份稳定了自己艺术家的地位。1499 年创作的《哀悼基督》是他的成名之作，解剖学科的艺术实践和细致入微的匠心独运吻合了、甚至超出了人们可以理喻的"鬼斧神工"，被誉为 15 世纪最动人的人性拥抱神性的作品-出示了悲剧却掩饰了哀伤。立于西斯庭教堂的天顶画下，置身西斯庭教堂的祭坛画前，设想米开朗基罗的情感世界，照顾自身的肉体。 米开朗基罗代表了15、16世纪欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰。米开朗基罗的艺术与达·芬奇的充满科学的精神和哲理思考不同，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。 使他的艺术创作成为西方美术史上一座难以逾越的高峰。

二、巴洛克时期代表——乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼

乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼(Gianlorenzo Bernini，1598年12月7日-1680年11月28日)。意大利雕塑家，建筑家，画家。早期杰出的巴洛克艺术家，十七世纪最伟大的艺术大师。贝尼尼主要的成就在雕塑和建筑设计，另外，他也是画家，绘图师，舞台设计师，烟花制造者和葬礼设计师。1635年贝尼尼为他的情人创作了胸像《康士坦察.布奥诺列里可》，手法显得更加自由。贝尼尼从1645年开始创作著名的《圣德列萨祭坛》，完成于1652年，长达十二年之久。艺术史上将其称为十七世纪艺术上的卓越成就。1656至1667年间，他在圣彼得大教堂前建筑的雄伟柱廊，设计思想完全体现了教皇的要求。贝尼尼于1680年11月28日逝世，终年82岁。罗马为他举行了隆重的葬礼。

（一）代表作《圣德列萨祭坛》

贝尼尼的成熟艺术最最杰出的范例是罗马维多利亚圣母堂的柯尔纳罗小礼拜堂，他从艺术生涯最初就开始的不断摸索前进至此臻于大成。小礼拜堂由枢机主教柯尔纳罗委托建造，在小教堂的一个不深的耳堂中。正中心为《圣特雷萨的沉迷》，描绘西班牙加尔默罗会伟大改革家阿维拉的圣特雷萨的一次神秘体验。特雷萨梦见一位天使用上帝之爱的火红的箭穿入她的心。贝尼尼是根据特雷萨本人叙述的情况进行艺术创作的。雕像的姿态是这位沉迷的圣徒正晕倒在太虚幻境之中，前遮一直垂纱幔，置放于祭坛上方的一个壁龛内，用空中光线照明。这一作品把建筑艺术和装饰艺术的许多因素结合在一起而且有条不紊，层次分明。

在左右两边类似歌剧院包厢的空间可以看到柯尔纳罗家族的许多成员，他们或是交谈，或是读书，或是祈祷，都是精神饱满的样子。柯尔纳罗小礼拜堂百分之百地体现了贝尼尼的立体图画的理想。圣特雷萨和天使的形像是用白色大理石雕刻的，但是观看者识别不出它们究竟是立体雕刻或仅仅是深浮雕。天然的日光构成这一雕刻作品的组成部分，它从隐藏的光源照射两个形像的上方和背后，金光闪闪。《圣特雷萨的沉迷》不是传统意义的雕刻，而是一幅有组织的风景画，它由雕刻、绘画和光线构成，还包括宗教剧中的崇拜者。

深度解读《圣德列萨祭坛》：《圣德列萨祭坛》，完成于1652年，历时长达十二年之久。艺术史上称之为十七世纪艺术上的卓越成就。主人公德列萨是十六世纪西班牙的一位修女，从小患了癫痫病，每次发作，均有幻觉产生，可感受到各种神的奇迹。后来她过着隐居生活，用书信将这些幻觉记载下来。到了十七世纪，教会利用德烈萨来宣扬宗教的神秘主义，于是将这位修女封为圣徒。贝尼尼表现的是德烈萨在一次幻觉中的景象，她看到小爱神模样的天使正用金箭向她的心口刺来。她自己写道:"我感到这个箭头刺透了我的心，当他把金箭抽出时，我感到仿佛是在抽我的心……，我正经受着一种无限的甜蜜，使我想把这种痛苦永恒地继续下去……。"贝尼尼正是表现了这一情节和复杂的内心情感。德烈萨的头部无力地向后仰着，是一种昏迷失神的状态，脸色显得苍白，眼睛微微闭着，张开的嘴象在呻吟，手脚均无力地下垂，整个身体坐在好像飘动的云端之上。

这是由痛苦和幸福两种对立感情交织在一起的复杂形象。德烈萨记述的是她对神的爱情，但确实表露的是人间爱情的悲酸情调。贝尼尼在这组雕像中熟练地掌握了石料性能，雕出了丰富多变的衣纹和云朵。完全没有石料的重量感。在这组祭坛的上部，还加了一束束镀金的金属条，灯光从上面照来，金色的反光射在人物身上，增加了雕刻的戏剧效果，这是光效应的早期综合利用的先例。从这件作品中可以看出，巴洛克雕刻和文艺复兴时期的雕刻，在风格上有着不同。前者强调宁静和稳定，后者强调运动。巴洛克还特别强调和表现人体复杂的曲线和明暗的对比。因此可以称这一组作品是巴洛克雕刻的优秀代表作。

（二）艺术地位

贝尼尼是继文艺复兴以后到十八世纪前这一历史时期极为重要的巴洛克雕塑家，他的优秀作品具有现实主义意义，是有积极精神的巴洛克艺术家，他虽服务于教廷但也有反抗的一面，特别表现在肖像艺术中足可证明这一点，贝尼尼在雕刻技巧上有着重要的突破和贡献。作为意大利巴洛克美术的首席，贝尼尼可谓是多才多艺。他能文善画，颇具文艺复兴时代的遗风。对于贝尼尼，当时人们曾经这样写道:"上演了一出大众戏，其中布景是他画的，雕像是他雕的，机械是他发明的，音乐是他谱曲的，喜剧的剧本是他写的，就连剧院也是他建造的。"他给予他那个时代的影响在历史上是无人能与之匹敌的。

乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼作为十七世纪艺术上最伟大的革新者之一，被载入世界艺术史册。

三、十九世纪新古典主义代表——卡诺瓦

卡诺瓦，意大利雕塑家。1757年11月1日生于意大利东北部泰维索省(Treviso)的波撒格诺(Possagno);，1822年10月13日卒于威尼斯。1783~1792年间为教皇克雷芒十四、十三世设计陵墓雕刻。1805年又为奥地利的玛丽亚·克里斯蒂娜皇妃制作纪念碑雕刻。作品造型高度理想，修琢光润，但有的失之呆板和程式化。是新古典主义雕刻的代表人物。

（一）代表作《拿破仑之母》

这座雕像自从公元1804年在拿破仑母亲的罗马寓所拟定初稿后，作者卡诺瓦便辛劳地用了几年的时间来完成大理石作品。

卡诺瓦是一个追求完美的雕塑家，早期作过石匠。他经常用泥巴或灰泥来塑模型，但这些材料不易存留，所以大理石成为他主要的创作材料。此雕像极端写实，人物的眉目、头发、皮肤，借助大理石的质感，令人耳目一新，整个塑像仿佛有人的情感，慈眉微笑和满脸平易，动态安详，衣纹服贴，配合巧妙。这正是作者想要达到的目标，在完成此作之前，他曾做过多种草图造型和模型制作，这件作品成功地展览于巴黎沙龙，最后，拿破仑的母亲把它作为礼物送给自己儿子。

目前，这座19世纪的雕塑存藏于法国巴黎卢浮宫博物馆，在那里，享受着属于他的殊荣。

（二）艺术地位

在卡诺瓦生活的十八世纪，整个雕塑艺术界比较传统的观念认为雕塑艺术创作应该注重形式是否完美，线条是否流畅。这种古典主义色彩极其浓厚的创作风格也是业界较为承认的艺术标杆之一。进入到法国资产阶级革命时期，以形式和细节为创作重点的风格也逐步演变成革命的宣传媒介，这一时期的古典主义艺术风格即为"新古典主义"，新古典主义强调建筑、美术、雕塑三者的融合，卡诺瓦在新古典主义的影响和推动下起到了重要的作用。

在卡诺瓦一生的艺术创作中，他的作品充满理想主义的情怀，细节的雕琢圆润光泽，但部分作品过于程式。不过总体而言，卡诺瓦是新古典主义雕塑风格的代表性人物。

四、十九世纪浪漫主义代表——弗朗索瓦·吕德

吕德是19世纪法国浪漫主义雕塑家，在雕塑上，他与浪漫主义画家德拉克洛瓦并驾齐驱，与19世纪法国最杰出的雕刻家乌顿、罗丹等人齐名。其代表作即是巴黎人民妇孺皆知的那块装饰在巴黎凯旋门上的群像浮雕《马赛曲》。在浪漫派雕刻史上，他这尊浮雕被认为是不朽的。

在雕塑上，他与另一位浪漫主义雕塑家德拉克洛瓦并驾齐驱，与19世纪法国最杰出的雕刻家乌顿、罗丹等人齐名。其代表作即是巴黎人民妇孺皆知的那块装饰在巴黎凯旋门上的群像浮雕《马赛曲》 。在浪漫派雕刻史上，他这尊浮雕被认为是不朽的。

吕德是一个富商的儿子，23岁时进入巴黎雕刻家皮埃尔·卡特里埃的工作室学艺。1809年和1812年曾两次获"罗马奖"。但都因法国政治局势不稳，国库空虚而未能去意大利深造。拿破仑称帝时，吕德参加了当时的帝政活动。帝政垮台，他也被迫流亡到比利时。12年的流亡生活使他备感痛苦，从此政治上渐趋成熟。回国后，在法国人民革命浪潮的激励下，他很快成了一位浪漫主义的雕刻家。他的作品既有古典主义的严谨，也富有浪漫主义的激情。

（一）代表作《马赛曲》

《马赛曲》是1792年，奥国军队武装干涉法国革命时，马赛人民威武雄壮地开赴巴黎战斗时所唱的爱国歌曲。法兰西共和国建立以后，立即被决定用作法国国歌。吕德借用这一曲名作为浮雕的题名，无疑是要在这座雄伟的凯旋门建筑物上宣传革命，宣传法兰西人民的爱国主义思想，让这一尊浮雕成为象征人民民主思想的纪念碑。

吕德的《马赛曲》(1833-1836)可以说是德拉克洛瓦的油画《自由领导人民》在雕塑中的姐妹作。吕德为巴黎凯旋门所作的这尊巨型浮雕表现了法国志愿军在1793年时为反对奥地利和普鲁士军队入侵而出征的场面。其中最上方振臂高呼、戴着翅膀的人物形象是自由女神的特征，在她指引下的志愿军正在向前冲锋，每个人都迸发出势不可挡的力量。这组群像表现了法国人在大革命时期的英雄主义和爱国主义精神，正如一曲奏响的法国国歌《马赛曲》。

深度解读《马赛曲》：浮雕《马赛曲》分为两个部分:上部是一位象征自由、正义、胜利的自由女神，她右手持剑，左手高举，在号召人民向她指引的方向冲去。她那张开的羽翼, 飞舞飘动的衣裙，和召唤性的内在激情，表现出急速的运动和奔放的革命热情。两腿大步向前迈进，更加强了浮雕形象的前进感。女神占据整个浮雕的上半部，正从人们头顶上疾驰而过。下半部是一群志愿军战士，在女神的热情号召下蜂拥前进。其中心人物是一个有着大胡子的战士，他带领自己年轻的儿子一起参加战斗，少年依傍着父亲，走得更加坚定有力。和这个跃跃欲试的激动少年相对应的，是走在其后的沉着刚强的老人，他仿佛多次为自由而战，今天为了祖国又从容奔赴疆场。行列的最前面，号手正在吹响进军号，其余人物有持盾牌和宝剑的战士，有弯腰系结兵器的弓箭手，这些细节预示着战斗即将开始。所有这些人物被组成一个整体，显示出一种剑拔弩张的声势。

在这件不朽的作品中，雕塑家特别突出地表现了具有革命爱国主义精神的法国人民的特征。雕刻家在这座高浮雕的处理手法上也是巧妙的，他运用了联想和照应的处理手法，通过一面向前迈进，一面伸手向后召唤的自由女神与蓄髯男子的动势，人们自然地会感觉到跟随在他们身后的汹涌澎湃的进军人流，而不是把这种革命热潮局限在少数人身上。由于雕刻家运用照应的手法把人群分为上下两层，女神向前飞跃的形象加强了人群的动势，下面人群中勇敢坚定的英雄形象则回答着女神的热情呼唤，使人感到他们的真实性。艺术家在这里广泛运用了浪漫主义的象征手法，显示了人民气势磅礴的反抗力量。为了保卫祖国，这股战斗的洪流将从墙上冲出，给人以巨大的感染力。

（二）艺术地位

他是19世纪法国浪漫主义雕塑家，在雕塑上，他与浪漫主义画家德拉克洛瓦并驾齐驱，与19世纪法国最杰出的雕刻家乌顿、罗丹等人齐名。其代表作即是巴黎人民妇孺皆知的那块装饰在巴黎凯旋门上的群像浮雕《马赛曲》。在浪漫派雕刻史上，他这尊浮雕被认为是不朽的。

五、二十世纪雕塑家代表人物之一——贾科梅蒂

贾科梅蒂瑞士超现实以及存在主义雕塑大师，画家。1901年10月10日生于博尼奥，1966年1月11日卒于库尔。早年画过素描和油画，成就最大的是雕刻。作品反映了第二次世界大战之后， 普遍存在于人们心理上的恐惧与孤独。

1934年贾科梅蒂33岁，超现实艺术家们将贾科梅蒂创作理念的改变视为一种背弃，并召开了一个会议，指责他对超现实主张的不忠，贾科梅蒂随后走出会议室，从此离开了布鲁东所属的超现实团体。

他的雕塑、绘画及素描，都源于他对人物形象的独特观点，也反映出20世纪人类的软弱与不堪一击。他的雕塑呈现典型的特色:孤瘦、单薄、高贵及颤动的诗意气质。绘画多以亲友为描绘对象，色调偏暗沉。素描则较为自由，但处处可见一位艺术家的苦心与才情。令人动容的是，他那脆弱和保护姿态，以及那原型的即兴。

（一）代表作《行走的人》

《行走的人》中塑造的是一个人大步向前的动态。雕像没有头部和双臂，但在这残缺的躯干下，观者能感觉到作品中蕴涵的无穷动能，一人坚定地走在风云叱咤的大气里。可是如果我们仔细观察这一行走的动作，就会发现，这样的动作在现实中是不存在的。也就是说，这似乎违背了自然。然而，对于自然，罗丹始终将其奉为艺术家心中的女神，认为只有怀着对自然恭敬之心，并真实表现自然的艺术家，才是真正优秀的。而那些为了愉悦人的眼睛，改变自然，将丑陋画成美丽的艺术家，完全是失败者。这个思想也在罗丹的《老娼妓》中集中体现出来。

《行走的人》也合乎于他所信奉的真实自然的法则。罗丹曾说"塑造只是表现外表;我却在外表之外，兼表内心，这当然也是自然的一部分。我看到的是全部的'真'，不只是外表的'真'。"真实的自然并不只是人们眼中的自然，更多的是艺术家心中的自然。罗丹的心中，行走是一段时间的动态，是一个完整的动作。他将行走的连串动作分别呈现在人体各个部位上，观者视线随之移动，产生雕像活动和行走的感觉。作品表达的是一段时间内的行走动作，而非我们行走的某个瞬间状态。所以，把罗丹雕塑说成是印象主义的，并不准确。事实上，要完美表现人体行走一连串动态的过渡，需要透彻了解各个动作的衔接关系。他有一套自己的方式，在研究人体时，总是让模特自由自在地在工作室里活动，而不是让他们机械地摆出某个造型。

（二）艺术地位

作为二战后欧洲雕塑创作中最强的一位，贾科梅蒂的重要性在于:作品中具有丰富的视觉和哲学源泉，他强烈地驱使自己去抓住他在外部世界感觉到的瞬息即逝的幻觉，以及要完整的反映人类形象的需要。

2010年2月3日，拍卖师在英国伦敦苏富比拍卖行拍卖瑞士雕塑家贾科梅蒂的雕塑作品"行走的人"。 该作品最终以6500万英镑(1.043亿美元)的价格成交，刷新了毕加索《拿烟斗的男孩》创下的1.042亿美元的单件艺术品拍卖纪录。